Entradas para el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida 2025

Después de más de quince años de lucha infructuosa contra la ciudad de Numancia, el Senado Romano manda a Hispania, sobre el año 130 a. de Cristo, al victorioso general Escipión, que acababa de derrotar a los cartagineses y había sido coronado como triunfador en Roma. Escipión hizo construir una imponente obra de ingeniería bélica para que nadie pudiera entrar ni salir de Numancia, rodeándola de un profundo y ancho foso de nueve kilómetros de perímetro con un conjunto de campamentos militares y torres de vigilancia. Además arrasó los pueblos vecinos para que no pudiera llegarles ningún tipo de ayuda ni alimentos, lo que creó una terrible situación ya que el hambre se convirtió en el más fiero enemigo de los sitiados.

Los numantinos intentaron romper el cerco de mil maneras, pero todo fue inútil. El tiempo fue pasando y el hambre siguió creciendo, lo que hizo que en su desesperación llegaran a comer carne humana. Y la ciudad, ya sin esperanzas, fue llenando sus calles de cadáveres, por lo que tomaron la gran decisión final que cambió el curso de su historia.

La leyenda cuenta cómo la decisión de un muchacho valiente marcó el destino de Numancia, impidiendo que Escipión recibiera la corona de triunfador. Y la Fama logró que quedara fijado para siempre en la memoria el final de esta historia.

Se ha escrito mucho sobre las hazañas bélicas de Alejandro Magno, las estrategias, la ambición de crear el imperio más grande jamás conocido, la fundación de ciudades, etc. Pero se conoce muy poco de su vida amorosa y su verdadero ser interior.

Con este espectáculo se pretende acercar al espectador actual, esa parte más desconocida, pero no menos interesante, sobre el verdadero hombre dulce y amoroso, íntimo y vulnerable que fue el Macedonio Alejandro Magno.

Alrededor del Sol-Alejandro, orbitan todos los personajes. En torno a ese sol, en el centro de Persia, gira nuestra historia junto a todos los protagonistas: Hefestión, Krátero, Aristóteles, Olimpia, Roxana y sobre todo Bagoas, el eunuco Persa que tanto influyó en la vida íntima y sexual de Alejandro.

Mi hija viene con su vestido de novia y yo voy a matarla…

La de Ifigenia es la primera muerte violenta de una mujer en la literatura occidental. Agamenón, su padre y jefe del ejército griego, sentencia y clava como una bandera la raíz de la violencia contra niñas y mujeres en el origen de nuestra civilización. Siguiendo el rastro de sangre de Ifigenia llegamos hasta el sacrificio de Políxena, princesa troyana, y el hallazgo nos incendia la rabia en la garganta: La Guerra de Troya terminaba como empezó, inundando el mar de sangre virgen…

Con Ifigenia trazamos un mapa desde el kilómetro cero de la violencia contra las mujeres hasta el regreso a casa del ejército perpetrador victorioso. Una obra de nueva creación, tejida a partir de tres tragedias clásicas, por las que transita la épica de la victoria griega en la Guerra de Troya: Ifigenia en Aúlide, Hécuba y Agamenón. Una obra sobre el altísimo coste que tuvieron que pagar las mujeres para que los hombres alcanzaran la gloria.

Hécuba y Clitemnestra, reinas de vencedores y vencidos, madres de las asesinadas, albergan en su vientre una herida salvaje que se abre. La rabia muta en furia lenta. He aquí la transformación de las madres en fieras… Se abre el portón de acero de la venganza… Rasga el silencio el instinto voraz de una bestia atormentada y un grito atronador sediento de sangre asesina. Esta es la historia de las olvidadas y de sus madres condenadas. Es una rosa de sangre entre las manos ensangrentadas.

Ifigenia es una grieta de luz en la cueva oscura a la que ha sido arrojado el dolor y la culpa de las mujeres. Un haz de luz para iluminarlo todo, para que sus nombres no se borren de la historia. Porque no es inocente el silencio.

Sus gritos atormentados se clavaban en mi vientre como cristales cortantes. Y ya no tuve miedo de arder.

La Luz es Nuestra.

Siempre he querido hacer “Edipo Rey”. Soy un apasionado devoto del psicoanálisis y de la literatura de misterio. Siempre me ha fascinado esta trama extraordinaria, en la que quien investiga un asesinato resulta ser el propio asesino. Desde hace algún tiempo, defiendo la idea de reducir el papel del director—quien, en mi humilde opinión, debería alejarse de ser un autor para volver a ser un intérprete. Sin embargo, aunque es correcto volver al texto, también es cierto que no existe una tradición interpretativa auténtica de la tragedia griega. Por lo que sabemos, los textos que han llegado hasta nosotros son vagamente comparables a libretos de ópera sin música. Al dirigir un texto de drama antiguo, uno parte desde el año cero.

La vastedad de esta obra maestra de la humanidad implica necesariamente algunas traiciones. Tras una pandemia, uno podría pasar del tema social de la peste al tema girardiano del chivo expiatorio. He elegido el camino de la metáfora del conocimiento. La obstinada voluntad de Edipo de conocer la verdad lo hace parecer una especie de Ulises que no puede evitar viajar para seguir sabiendo. Sin embargo, el viaje de Edipo es un viaje implosivo: investiga explorando dentro de sí mismo.

Será, por tanto, el propio actor, Luca Lazzareschi, quien interprete no solo al protagonista, sino también a quienes conocen la verdad, o al menos una parte de ella. Luca será también Tiresias y el mensajero, dialogando con las imágenes distorsionadas de sí mismo reproducidas en video por Alessandro Papa, quien lleva años colaborando conmigo. La principal iconografía elegida para esta puesta en escena es el surrealismo: una elección casi obligada para un viaje interior de orientación psicoanalítica. Para la música, he decidido seguir otra de mis pasiones relacionadas con este texto: la de las historias de detectives, especialmente del cine de suspense del siglo pasado. Aprovechando el origen tanto occidental como oriental de mi ya habitual músico, el israelí Ran Bagno, no podré olvidar que Edipo también representa el punto más incandescente de uno de los conflictos eternos de la humanidad: la lucha entre dos culturas.

Jamás habría podido imaginar dar vida a este sueño de toda una vida sin el gran talento interpretativo de Luca Lazzareschi y Manuela Mandracchia, quien interpretará a Yocasta; sin las capacidades visionarias de Marta Crisolini Malatesta; sin el talento cinematográfico en la iluminación de Gigi Saccomandi; y sin la colaboración de actores que ya se han convertido en compañeros de viaje, empezando por Paolo Serra, con quien me une una colaboración de casi treinta años, y siguiendo con Francesco Biscione, Paolo Cresta y Alessandro Balletta.

Luca de Fusco, director.

Cleopatra Enamorada, El Musical es una producción teatral que narra la apasionante historia de amor entre Cleopatra y Marco Antonio, enmarcada en los últimos años del Egipto ptolemaico y su lucha contra la expansión de Roma. Con una puesta en escena espectacular, este musical transporta al espectador a un mundo de emociones intensas, intrigas políticas y pasiones desbordantes, reivindicando la figura de Cleopatra como una de las mujeres más fascinantes de la historia.

La obra comienza con Cleopatra navegando por el Nilo, sumida en la tristeza tras haber sido abandonada por su amante, Marco Antonio. Sin embargo, la historia no es solo un relato de amor imposible, sino también un reflejo de la lucha de Cleopatra por su pueblo y su legado. Entre encuentros y desencuentros, ambos protagonistas vivirán momentos de pasión y conflicto, marcados por el destino trágico que los une. La música, la danza y una escenografía impresionante darán vida a esta historia de amor, poder y caída de imperios.

Agamenón, rey de Micenas, regresa de la Guerra de Troya. En el banquete de su bienvenida, su mujer, Clitemnestra, y su amante, Egisto, asesinarán al rey como pago por Ifigenia, hija del matrimonio ofrecida en sacrificio por su propio padre a los dioses para permitir la vuelta del rey a Micenas. Electra, hija también de Agamenón y de Clitemnestra, vive fuera de palacio; cuando se da cuenta de qué es lo que ha sucedido, decide vengar la muerte de su padre junto con su hermano, Orestes, para hacer justicia dando muerte a quienes lo habían perpetrado: su propia madre Clitemnestra y el amante de ésta, Egisto.

Memorias de Adriano es un espectáculo basado en la novela Memorias de Adriano de Marguerite Yourcenar. Este texto, mundialmente conocido, es un testimonio en primera persona de la vida del emperador romano nacido en España. Es, en términos literarios, una falsa autobiografía. En términos teatrales, por lo tanto, es una falsa personificación: Adriano no vive en el siglo II, aunque lo recuerde. Esta unión de planos es el universo de nuestro montaje. Con un lenguaje lleno de lirismo y con una admiración hacia su perfil helénico, Yourcenar recrea la figura de un mandatario tan sabio y magnífico como ciego y contradictorio. En ambos perfiles se dibuja el gesto de la soledad. Tomando este tema como columna vertebral del espectáculo, la directora Beatriz Jaén ha creado un espacio escénico en donde los ecos de esa soledad resuenan en la actualidad del poder, de la política y de la creación de una imagen pública. 

Lluís Homar es Adriano; Adriano es también Lluís Homar: actor de sí mismo en muchas circunstancias, incesante buscador de respuestas filosóficas y viajero espiritual. Su voz, a veces secreta y a veces ostensible nos guía a través de esa experiencia común: el peregrinaje del ser. Acompañado por un séquito que le cuida a la par que lo apresa, Adriano preparará el legendario discurso donde lega el poder a Marco Aurelio. Su memoria será el resultado su imperio, pero también la confesión de un hombre que ha tocado los límites de la experiencia humana. 

Memorias de Adriano es un espectáculo teatral que representa al mismo tiempo una emocionante película de romanos y el íntimo relato de un hombre en diálogo con su historia, con la Historia. 

En el campamento griego en las afueras de la ciudad saqueada de Troya, las mujeres troyanas capturadas y su reina, Hécuba, se lamentan de sus tribulaciones, mientras esperan los resultados de un sorteo que determinará su destino. Todas las mujeres de la familia real que queden vivas, víctimas de la crueldad de los conquistadores pasarán a ser propiedad de los griegos. Mientras Troya es destruida en llamas, las mujeres desesperadas serán llevadas a los barcos que las llevarán a través del Egeo para convertirse en esclavas en las casas de los vencedores griegos. La tragedia no solo se encuentra en su fortuna irreversible, sino también en la resistencia que muestran ante la adversidad. Aunque el dolor sea inevitable, la búsqueda de significado siempre persiste.

La comedia trata sobre qué tipo de educación es mejor, una severa y rígida, u otra más liberal y abierta. Ambos modelos de educación están encarnados por los personajes de Démesa y Miccióna, dos viejas hermanas de temperamento muy diferente: mientras que la primera es una madre muy estricta y preocupada por sus dos hijos, Esquino y Ctesifonte, la segunda es un solterona jovial y permisiva, que ha adoptado a uno de sus sobrinos, concretamente a Esquino.

Esquino, el joven educado de manera liberal, se apodera de la cortesana Báquide, pero no lo hace para satisfacer sus propios instintos, como todos creen, sino para entregársela a su tímido hermano Ctesifonte, que no se atreve a obrar por miedo a su madre. En realidad, Esquino estaba enamorado de Pánfila, prototipo de muchacha pobre, pero virtuosa.

Al final, todo se descubre, y los dos jóvenes logran casarse con la muchacha a la que amaban: Ctesifonte, con la cortesana Báquide; Esquino, con la virtuosa Pánfila. Por su parte, la vieja Démesa renuncia a los viejos principios que habían guiado la educación de su hijo.

Alcanzar el vellocino de oro debía de haber sido su mayor hazaña, pero acabó convirtiéndose en el inicio de su desgracia.

Tras hacerse con él gracias a la ayuda de Medea, Jasón le jura amor eterno y ambos huyen en busca de un lugar que los acoja. Al llegar a Corinto, Jasón pide ayuda al rey Creonte, pero este, a cambio de asilo, le exige casarse con su hija Creúsa. 

Cansado de su vagar apátrida, Jasón accede y rompe su juramento. La traición a su palabra desata la ira de Medea y provoca la llegada de las Furias, enviadas por los dioses para obligarlo a que se enfrente a su pasado: solo si desciende a los infiernos podrá salvarse del baño de sangre que Medea está dispuesta a infligirle. Aunque si no logra reconstruir bien todos sus pasos, tal vez ni siquiera bajar al Hades sea suficiente…

El pueblo de Tebas revive sus tres grandes mitos a modo de coro trágico: Ay Teatro reúne varias obras maestras de la tragedia griega representadas por un coro teatral de jóvenes actores y músicos que reviven el gran mito de Tebas: la saga de Edipo y sus descendientes. El joven elenco encarna a todos los personajes de una saga familiar que transgrede los límites sociales hasta las últimas consecuencias, en un espejo ético y moral donde se reflejan las grandes preguntas fundadoras de la convivencia: ¿son hereditarios los delitos y las culpas? ¿La verdad debe buscarse a cualquier precio? ¿Existe un límite entre razón y creencia? En definitiva: ¿quiénes somos nosotros? Ay Teatro propone un viaje al origen puro de la tragedia clásica.

Esta es una Antígona sin Creonte, atrapada en la dictadura del parentesco. Ella convive con su dictador interno. Se rebela contra el poder de Creonte pero sucumbe a la supuesta virtud femenina de la sumisión. El sacrificio femenino instaurado como un hábito cotidiano hasta el límite de la auto-inmolación y la muerte. Antígona, Edipo y Polinices, siempre emigrantes, se aferran a sus esencias para sobrevivir. 

Una propuesta multicultural. Bajo la batuta del galardonado director Ángel Calvente, la compañía Antonio Campos, en colaboración con El Espejo Negro, presenta una reinterpretación audaz y contemporánea de la épica odisea de Ulises. Esta producción teatral única se distingue por un vibrante espacio sonoro que abarca una ecléctica mezcla de géneros musicales, desde el soul, el blues y el rock, hasta los evocadores sonidos de la música balcánica, otomana y mediterránea, enriquecidos con elementos de la antigua Grecia. El espectáculo teje la actualidad con la poesía homérica, ofreciendo al espectador un rico tapiz cultural a través de un lenguaje simbólico, musical y dialéctico. Esta odisea renovada promete una aventura inolvidable, navegando por las aguas de lo fantástico y lo épico, y reafirma el compromiso de la compañía con la innovación y la excelencia en el arte teatral.

Échale La Culpa a Pandora es una obra teatral que combina 6 monólogos de la actriz y humorista Antonia San Juan con 6 piezas musicales originales interpretadas por un cuarteto de cuerdas y la cantante Ada Rapisarda. Antonia San Juan interpreta el papel de Casandra, hija de los reyes de Troya, a quien el dios Apolo entregó el don de la clarividencia para más tarde cargarla con la maldición de que, no solo no iba a poder callarse sus predicciones, sino que tampoco nadie iba a creerlas.

A través de la mirada de Casandra, vamos conociendo las historias de 6 mujeres de la mitología griega: Pandora, Perséfone, Eurídice, Penélope, Ariadna y Helena. Cada una de ellas, a través de todos los estereotipos que representan, nos trasmite el papel, secundario siempre, que se le atribuye a la mujer ya desde la antigua Grecia. Todo ello narrado desde el inconfundible sentido del humor de Antonia San Juan, pero sin dejar de denunciar la situación y el drama que todo esto representa y que se ha ido arrastrando hasta nuestros días, al fin y al cabo, los griegos son los inventores de la tragicomedia.

Ada Rapisarda interpreta a cada una de estas mujeres en las canciones de la obra, narrando siempre su punto de vista en cada uno de los mitos. Las canciones suelen ser un soliloquio de nuestras heroínas, que denuncian como son maltratadas, abandonadas, olvidadas, ignoradas… con una música muy emotiva, diferente a cualquier cosa que se haya podido escuchar antes.

Échale la Culpa a Pandora te va a hacer reír, te va a hacer llorar, te va a hacer pensar, te va a emocionar y a poner los pelos de punta, pero, sobre todo, no te va a dejar indiferente y te va a hacer plantearte cuál ha sido el papel de la mujer a lo largo de toda la historia de la humanidad, ya desde la antigua Grecia.

Prometeo cuenta la historia de un titán que fue encadenado a una roca en alta mar y condenado por Zeus a vivir allí, solo, por toda la eternidad. Aislado, recibe la visita de dioses, ninfas y hechiceras, algunos que lo apoyan y otros que lo acusan de haber robado el fuego del Olimpo y haberlo compartido en la tierra con los hombres. Allí, en medio del mar, en secreto, planea su venganza contra Zeus y, como consecuencia, su liberación de tan terrible castigo.

Agripina la menor (Agripina la joven) fue una de las mujeres más influyentes de su época. Su trayectoria continúa a ser relevante y de importancia hoy en día. 

El espectáculo es una invitación a la reflexión sobre los desafíos afrontados por las mujeres en el poder: los juegos de influencia y la forma como la sociedad abraza figuras femeninas ambiciosas y estrategas.

Aborda temas como la ambición, el poder y la traición, que continúan presentes en la política y la sociedad.

La subida y la caída de Agripina evidencian cómo las mujeres históricamente tuvieron que navegar entre estruturas patriarcales, muchas veces, recurriendo a estrategias como los casamientos políticos, y las alianzas para conquistar y mantener la influencia. Las figuras públicas que frecuentemente manipulaban narrativas para poder moldear su imagen; algo que Agripina hizo con maestría. Agripina desafió las espectativas de su tiempo, ejerciendo el poder en un mundo dominado por hombres. 

Hace dos mil quinientos años un poeta dramático escribió una trilogía trágica que plantea la necesidad de establecer un acuerdo cívico que termine con los interminables ciclos de venganza que asolan la convivencia. Este poeta, conocido como Esquilo, concibió no solo una obra de arte, sino un vehículo para proponer un cambio radical en la concepción de la justicia.

A través de personajes arrastrados por ciclos de rencor y violencia, Esquilo nos muestra cómo, en un giro inesperado hacia un final trágicamente feliz, dioses y mortales unen fuerzas para fundar una institución que promete poner fin a la justicia por mano propia, marcando el nacimiento de un nuevo capítulo civilizatorio.

Presentamos la Orestíada con la ambición de trazar un puente entre los mitos de la Grecia Antigua y nuestro presente al insuflar pulsiones y arquetipos ancestrales a la realidad de nuestros días.

Roma, inicios de la República. En un contexto de gran conflictividad social, la clase dirigente (los patricios) y el pueblo (la plebe) se enfrentan: El pueblo tiene hambre, pide trigo. En ese momento se declara la guerra contra los Volsgos. Emerge la figura de Cayo Marcio, noble guerrero admirado por su extremo valor y coraje. Su gran victoria le ganará el apelativo de Coriolano.

Después de la victoria los nobles quieren nombrar Cónsul a Coriolano, los tribunos de la plebe se niegan. Comienza el juego de la política, las mentiras, las imposturas, las estrategias. Coriolano, un hombre extremista, decide no traicionarse a sí mismo, ni a sus principios. Su reacción virulenta contra los derechos del pueblo le valdrá la condena por traidor y el exilio.

Coriolano se une a Aufidio, líder de los Volsgos, para acabar con Roma. Asediada Roma y cerca del desastre, la madre de Coriolano, en una escena memorable, hace desistir a su amado hijo, porque como dice Iban Martin en sus podcasts y libros sobre Roma: “El amor a una madre es a veces más fuerte que el odio que se pueda sentir contra toda una ciudad”. Aufidio ejecuta a Coriolano y en Roma se alza un templo a la fortuna y sabiduría femenina por haber salvado la ciudad.

Edad recomendada: a partir de 12 años.
Duración: 1h 55 minutos aprox.
Avisos: luces estroboscópicas.

Podría considerarse que este espectáculo es la tercera parte de una trilogía formada por Esquilo, nacimiento y muerte de la tragedia y Los dioses y Dios. Los tres espectáculos giran en torno a la tradición oral de los relatos mitológicos sobre los que se construyen las grandes tragedias griegas. Y al mismo tiempo los tres espectáculos son monólogos en clave de humor, donde el lenguaje y los recursos de la comedia se confrontan con los argumentos de las tragedias clásicas más conocidas y frecuentemente representadas en el Festival de Mérida. Esta mixtura de la tragedia con el humor no es extraña al origen y la esencia perenne del teatro griego. Se cuenta de Sileno, el semidiós que ejerce como patrón de la tragedia, y subalterno de Dionisio, dios de la tragedia, que cuando Midas le preguntó “qué era lo mejor para el hombre”, Sileno le contestó: “lo mejor para el hombre sería no haber nacido”. Ante la estupefacción de Midas, Sileno añadió: “pero no te preocupes, ya que has nacido, lo mejor para ti sería morirte cuanto antes”. Esto no puede entenderse sino es como un chiste que sugiere el “absurdo de la existencia”, que es el gran leitmotiv de toda la tragedia griega. Faltaban todavía 25 siglos para que Valle-Inclán presentara de nuevo esa mixtura en su creación genial del esperpento. La mezcla de los géneros estuvo ahí siempre, mostrando que las líneas divisorias son una creación convencional, un código, para que el público acomode su actitud ante el espectáculo.

Iconos o la exploración del destino es un monólogo de humor que reflexiona sobre el destino en la tragedia griega. Desfilan por este espectáculo las grandes figuras icónicas de Medea, Edipo, Antigona y finalmente Hécuba. La exploración del destino viene de la mano de una exposición comparada de esta fuerza determinante (el destino) en la vida de los héroes trágicos y así mismo en los relatos de la mitología hindú, donde el concepto de karma incluye en el dinamismo del destino, el concepto de libertad.

Todos estos ingredientes van intercalados con experiencias autobiográficas del propio autor y actor, a modo de parodias de humor, con elementos didácticos del repertorio habitual del Festival de Teatro Clásico de Mérida.

Edad recomendada: a partir de 16 años.
Duración: 100 minutos

Esperanza hace un agujero en la pared de su dormitorio para pasar a la hornacina de la diosa Hebe y poder tener encuentros secretos con su enamorado, el joven Cándido. La esclava Rústica, que está enamorada del mismo hombre, descubre el engaño y aprovecha la ocasión para hacerse pasar por Esperanza.

Asi, pues, un agujero en la pared es el motor de esta historia. Un agujero por donde se cuela el amor y el humor, las dos armas fundamentales para derribar prejuicios.

Edad recomendada: todos los públicos.
Duración: 90 minutos aproximadamente.